Être clown est pour beaucoup de personnes le dernier ou le premier travail auquel il faut s’atteler si elles veulent être comédiens professionnels. Autant comme base indispensable que pour parfaire une formation; dans les deux cas la technique du clown est considérée de grande importance, parce qu’elle fournit les éléments fondamentaux pour être sur scène de manière entière et interactive avec le public.

 

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INTRODUCTION

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Notre pédagogie est orientée dans un double objectif :

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Premièrement, fournir une base solide de théâtre physique et d’improvisation comique nécessaire pour le travail du clown.

Deuxièmement, apprendre des nouvelles techniques de jeu et d’écritures de scènes comiques à partir d’un nouveau point de vue.

 

Dans les deux cas, il est nécessaire d’avoir eu quelques expériences scéniques au préalable, ou bien d’être doté d’une grande volonté de jouer et d’apprendre de nouvelles choses car, même si le rire accompagne toujours le déroulement du cours, il s’agit d’un procédé de formation très intensif.

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LES COURS

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Le cours est conçu comme un laboratoire pratique sur le jeu, sur les techniques d’improvisations comiques et sur les interactions avec le public. À cela s’ajoute la création de personnages comiques, en utilisant principalement la technique du théâtre physique et du jeu, durant laquelle il s’agit de bâtir un corps vivant, avec une voix, autour duquel s’articule un univers lexical et mental en mouvement, de manière à ce que l’on puisse improviser aisément et avoir ainsi une relation fluide avec le public et les autres personnages.

 

Pour débuter la formation, il est nécessaire de procéder à un “nettoyage” du mouvement et de l’esprit de l’acteur qui permettra d’avancer dans la création de manière ordonnée et efficace. Dans cet optique un travail sur l’immobilité et sur l’”aspect neutre” auront pour but de lui apporter un état de concentration maximale et une conscience de son corps optimum, afin d’atteindre l’état comique de manière instinctive mais aussi consciente et précise.

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Les exercices et les entraînements sont orientés vers la recherche, l’acquisition et le renforcement de ces outils qui permetteront au comédien de dominer l’élan, le rythme et les stratégies comiques face à l’engagement de la scène.

 

Le jeu et le corps de l’acteur

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Les bases du cours sont le jeu et le rire, et ils seront l’esprit de tous les exercices physiques. Les exercices sont destinés à:

Mobiliser le corps et l’esprit en faveur de l’amusement réciproque de l’acteur et du public.

Libérer les émotions à travers le mouvement, et savoir les maitriser pour les mettre au service de la comédie.

 

Les exercices font appel à deux domaines différents qui se combinent très souvent, à savoir: les techniques de décomposition, l’analyse du mouvement et les jeux centrés sur le développement du plaisir d’être sur scène. Les techniques de décomposition et l’analyse du mouvement serviront à conduire le travail la création et à apporter une vision technique du travail corporel. Les jeux centrés sur le développement du plaisir d’être sur scène auront pour but l’entraînement de la logique théâtrale, à travers la recherche d’objectifs.

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Les participants seront confrontés à leurs limites physiques et mentales, à  la déroute et au ridicule face aux autres, afin d’apprendre à le considérer comme quelque chose de fluide et léger, propre au travail d’un comique.

Les exercices physiques reposent sur deux concepts de base: contrôler la respiration comme moyen pour débloquer son corps, et mobiliser l’imagination de l’acteur comme instrument de création et de dispositif scénique.

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L’acteur et le public

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L’interaction avec le public et l’écoute sont une constante obligatoire. Soit à travers l’improvisation, toujours destinée à communiquer avec l’auditoire, soit au moment de donner ou bien de recevoir des observations et des critiques qui seront guidées par le professeur mais toujours de manière collective. C’est pour cela que, même si le cours est limité à de petits groupes (pas plus de douze personnes puisqu’il y a un travail individuel très important), l’apprentissage se réalise aussi grâce à l’analyse du travail des autres.

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Les improvisations individuelles s’effectuent, en général, sans changer d’élève jusqu’au moment où la personne parvient à avancer et à se débloquer. Cette méthode de travail demande un effort permanent pour être toujours un public actif, et attentif mais l’objectif est que chaque participant termine le processus, soit avec un document écrit, soit avec un avancement technique de son jeu d’acteur.

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L’écriture comique

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L’esquisse du personnage une fois amorcée, s’ouvre la possibilité de commencer l’écriture des scènes. On encouragera le développement de l’univers personnel de l’acteur comme auteur, soit à travers l’apport de sujets, textes ou idées concrètes, soit à travers des improvisations ouvertes où l’acteur propose et cherche sur la scène avec l’éclairage avisé du professeur et de ses compagnons.

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Chaque cours est un processus qui se construit de manière collective, laissant beaucoup de place aux suggestions des participants, ce qui fait qu’un petit détail qu’on trouve le premier jour peut finir par construire une scène le dernier, par l’intermédiaire de la connexion des personnages, scènes, textes, costumes…

Le mécanisme de l’écriture théâtrale s’équilibre entre ce qui fonctionne au niveau comique et ce que mentalement nous prenons comme guide, comme fil conducteur.

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Il est aussi important de savoir abandonner une idée qui ne fonctionne pas par une occurrence apparemment stupide mais efficace, que de savoir trouver la manière intelligente de défendre jusqu’au bout un projet, si c’est ce que nous voulons vraiment raconter.

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Le clown intérieur

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On parle d’un clown “intérieur”, d’un personnage qui serait une partie inhérente de chacun de nous et qu’il faudrait chercher pour se libérer et pouvoir devenir et être clown; ou bien parfois, on se fait une idée du clown comme d’un “exercice thérapeutique”. Dans la méthodologie de ce cours, aucune de ces représentations ne sont abordées.

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Il s’agit uniquement d’acquérir les compétences nécessaires pour faire rire le public par l’intermédiaire d’un personnage spontané qui maintient un processus de communication vis à vis de celui-ci. Néanmoins, le travail demande couramment l’expression des états d’âme, émotions et passions du personnage, ce qui entraîne souvent l’acteur à se rencontrer lui-même avec ses propres limites et ses propres blocages.

 

Le travail de recherche sur la neutralité sur scène, est employé pour comprendre l’essentiel, il permet de distinguer, d’épurer le langage théâtral et de clarifier les propositions de l’acteur. Dès le premier moment, cela permet d’identifier les gestes parasites qui sont comme des lapsus du geste, des mouvements, des sons et des paroles qui s’échappent du contrôle rationnel de l’acteur et que chacun possède. Ces caractéristiques s’éloignent inévitablement de la neutralité et montrent les authentiques élans de la personne qui les exécute.

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Ceci est précisément un des piliers du cours, ne pas réprimer cette « erreur » mais au contraire l’identifier et l’exploiter, par l’intermédiaire d’une analyse qui puisse pénétrer dans chaque univers personnel et construire des personnages qui jouent avec le public depuis un endroit très proche de celui qui les représente. Cela dit, la proximité nécessaire avec le personnage clown n’est seulement qu’une première partie de la recherche liée à la difficulté de construire un personnage organique et spontané dans un délai de temps aussi bref que celui qui nous est accordé.

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La proposition de ce cours est de pouvoir construire le personnage que nous désirons et être spontané avec lui, jouer et nous amuser en faisant rire les autres. C’est la base de cet enseignement ; créer, imaginer et s’amuser.

Et si cela est thérapeutique, le théâtre en général l’est aussi.